Что является литературной основой балета
Либретто
Либретто пишется, как правило, в стихах, преимущественно рифмованных. Для речитативов возможно употребление прозы. Сюжетами для либретто служат, в основном, литературные произведения, переделываемые сообразно музыкально-сценическим требованиям. Реже либретто представляет собой совершенно оригинальное сочинение; как замечает Х. С. Линденбергер, если считать показателем самобытности либретто его способность существовать автономно от написанной на его основе музыки, то этот тест выдерживает разве что либретто Гуго фон Гофмансталя к опере Рихарда Штрауса «Кавалер розы», имеющее собственную постановочную судьбу. В то же время в истории либреттистики известны примеры значительного вклада авторов либретто в создание выдающихся произведений и развитие жанра — прежде всего, деятельность Лоренцо да Понте и роль Раньери да Кальцабиджи в оперной реформе Кристофа Виллибальда Глюка. В некоторых случаях автором либретто становится сам композитор, — наиболее значителен в этом отношении пример Рихарда Вагнера, чья работа в этой области, по мнению автора первого обзора истории либретто Патрика Смита, представляет собой наивысшее достижение. В истории русской оперы на собственное либретто писал, в частности, Александр Серов («Юдифь»).
В издания либретто иногда включаются ноты с целью дать основные темы сочинения или лучшие его места. Краткий пересказ либретто называется синопсис.
Изучение либретто и вообще вербального элемента в синтетическом или синкретическом словесно-музыкальном произведении стало развиваться начиная с 1970-80-х гг. и получило название либреттологии.
Что является литературной основой балета
Творческий союз музыки, литературы, хореографии и изобразительного искусства
1.Единство музыки и танца
1. Вспомни музыкальные фрагменты из знакомых тебе балетов.Сюжеты каких литературных произведений положены в основу их либретто?
2. Имеют ли главные герои балетного спектакля свои музыкальные характеристики? Приведи примеры.
3. Какие средства музыкальной выразительности приобретают в балетной музыке особое значение мелодия, ритм, тембры инструментов, темп, динамика?
2. Танец как средство выражения чувств героев
Смотри видео ЗДЕСЬ
Почему балет так привлекал художников?
Посмотри видео ЗДЕСЬ. «Сцена битвы с мышами»
Посмотри видео ЗДЕСЬ. «Вальс снежных хлопьев»
Посмотри видео ЗДЕСЬ. ПА-ДЕ-ДЕ в исполнении Екатерины Максимовой и Владимира Васильева.
Балетная музыка обнаруживает связь не только с литературой, но и с изобразительным искусством.
Однако при всей изобразительности балета мы все должны помнить: его источником почти всегда было литературное произведение. И если художественный мир литературы рождает всё новые и новые произведения, вдохновляет музыкантов и художников, значит, этот мир поистине велик, поистине богат неисчерпаемыми творческими возможностями.
4.Видео Фрагменты балета «Щелкунчик»
Посмотри видео ЗДЕСЬ. Арабский танец называют ещё Танец «Кофе».
Посмотри видео ЗДЕСЬ. Китайский танец называют также «Танец Чая»
Посмотри видео ЗДЕСЬ. Русский танец «Трепак»
Ты послушал и посмотрел фрагменты из балета «Щелкунчик». А теперь выполни задания и ответь на вопросы:
1. Сравни характер и настроение «Вальса снежных хлопьев» и «Вальса цветов». Что их роднит? Чем они отличаются друг от друга?
2. Какие средства выразительности использовал П.Чайковский в музыке сцены битвы Щелкунчика с мышами? В чём заключается развитие образов Добра и Зла в этой сцене?
6. Балетные сцены в опере
Посмотри ЗДЕСЬ фрагмент Мазурки
1. Кто, кроме композитора участвует в создании балета?
2.С какой целью М.Глинка вводит балетный фрагмент польского бала в оперу «Жизнь за царя»?
3. Что отличает характеры мазурок Глинки и Шопена?
Музыка. 5 класс
Конспект урока
Путешествие в музыкальный театр. Опера. Балет
Перечень вопросов, рассматриваемых по теме:
— опера как синтез искусств;
— структура оперы, основные жанры, используемые в оперном спектакле;
— балет как синтез искусств.
Опера (от итал. opera – «сочинение») – основной жанр музыкального театра, род музыкально-драматического произведения, основанный на синтезе слова, сценического действия и музыки.
Либретто (от итал. libretto – «книжечка») – литературная основа, литературный текст большого музыкально-вокального произведения (оперы, оперетты, оратории), сценарий балетного спектакля.
Балет – (от фр. ballet, от итал. ballare – «танцевать») – вид сценического искусства, спектакль, содержание которого воплощается в музыкально-хореографических образах.
Увертюра (от фр. ouverture – «открытие, начало») – оркестровое вступление к театральному спектаклю.
Речитатив – специфическая форма певучей декламации, воспроизводящая ритмический и интонационный рисунок естественной речи.
Ария – сольное вокальное произведение с инструментальным сопровождением.
Каватина – небольшая ария, обычно лирического характера.
Рондо – музыкальная форма, в которой многократно повторяется главная тема.
Сергеева Г. П. Музыка. 5 класс. Учебник для общеобразовательных организаций. // Г. П. Сергеева, Е. Д. Критская. – 10-е изд., перераб. – М.: Просвещение, 2019. – 159 с.
Тематический материал для самостоятельного изучения
Ах, это волшебное слово «театр»! Как только слышишь его, сразу представляются артисты, костюмы, декорации, исторические баталии, ожившие сказки, фантазии… А если это музыкальный театр, то к образам добавляются музыка, оркестр, дирижёр, певцы и танцы… На протяжении многих столетий театральное искусство оставалось востребовано и любимо публикой. Идя в ногу с развитием человечества, оно отражало острые проблемы бытия.
Опера (от итал. opera – «сочинение») – основной жанр музыкального театра, род музыкально-драматического произведения, основанный на синтезе слова, сценического действия и музыки.
Она берёт своё начало от древнегреческих трагедий, в которых сочетались чтение стихов, сольное и хоровое пение, игра на музыкальных инструментах. Претерпев длинный путь исторических трансформаций, опера предстала перед нами как жанр, объединяющий практически все основные формы искусства – музыку, литературу, актёрское мастерство, хореографию (балет), изобразительное искусство (декорации, костюмы) и прочие. Каждая опера обязательно имеет сюжет, в основу которого ложатся исторические события, легенды или предания, художественные произведения или сказки.
Литературная основа оперы представлена в форме либретто (от итал. libretto – «книжечка»). Название «книжечка» связано с тем, что оперные либретто с конца XVII века часто выпускались для посетителей театров в виде небольших буклетов. Сейчас содержание спектакля печатается в программке.
Либретто для оперы пишется специально. Его сочиняет литератор – либреттист, как правило, тесно сотрудничая с композитором, так как музыка – неотъемлемая часть оперного спектакля, являющаяся основным носителем и движущей силой действия. Только в единстве всех элементов действия содержание раскрывается наиболее полно.
Музыкальная палитра оперного спектакля многослойна: в ней могут использоваться самые разнообразные музыкальные формы и жанры.
Увертюра (оркестровое вступление), ария, романс, песня, речитатив, дуэты, трио, ансамбли, хоры, а также различные танцы (бальные, народные, характерные) – вот далеко не полный перечень элементов оперного действия.
Увертюра (от фр. ouverture – «открытие, начало») – оркестровое вступление к театральному спектаклю. Она исполняется перед началом действия и настраивает публику на характер спектакля. Часто в увертюре звучат музыкальные темы, которые характеризуют персонажей или события предстоящего действия. Так, например, в увертюре к опере М. И. Глинки «Руслан и Людмила» выражена основная идея сочинения – торжество светлых сил, которая подчёркнута ликующей музыкой.
Характер персонажей показывается в ариях, каватинах, песнях, рондо и других сольных формах. Яркий тому пример – ария Снегурочки из оперы Н. А. Римского-Корсакова «Снегурочка».
Портрет Антониды из оперы М. И. Глинки «Иван Сусанин» представлен в каватине и рондо героини. А образ Ивана Сусанина раскрывается в арии «Ты взойдёшь, моя заря».
Каватина – небольшая ария, обычно лирического характера.
Рондо – музыкальная форма, в которой многократно повторяется главная тема.
В опере Н. А. Римского-Корсакова «Садко» главного героя, гусляра Садко, характеризует песня. Она звучит из уст Волховы – дочери морского царя.
Особое место в оперной музыке занимает речитатив – специфическая форма певучей декламации, воспроизводящая ритмический и интонационный рисунок естественной речи. Как известно, в оперном спектакле все артисты поют, причём не только арии, но и все реплики как в сольных, так и массовых сценах. Часто в форме речитатива выражаются размышления или впечатления главных героев, нередко они звучат перед арией, вводя зрителя в курс событий. Таковы речитатив и ария Руслана из оперы М. И. Глинки «Руслан и Людмила».
Балет (от фр. ballet, итал. ballare – «танцевать») – вид сценического искусства, спектакль, содержание которого воплощается в музыкально-хореографических образах.
Так же как и в опере, в основе балета лежит определённый сюжет, выраженный в форме литературного текста – либретто. Балет базируется на классическом сценическом танце, но также его дополняют другие хореографические элементы: гимнастика, акробатика, элементы восточных единоборств, народные пляски. Помимо этого, немаловажную роль играет пантомима, с помощью которой актёры выражают разговоры и передают чувства героев.
Пантомима – вид сценического искусства, в котором основным средством создания художественного образа является пластика человеческого тела, без использования слов.
Завершением оперного спектакля может служить эпилог, в котором задействованы практически все участники действия и самые яркие выразительные средства. К примеру, монументальный хор «Славься» – финальная часть оперы «Иван Сусанин».
Отдельного внимания, как в опере, так и балете, заслуживают театральные декорации и костюмы. Они являются важнейшими элементами при создании атмосферы и формировании визуальной целостности спектакля. Выдающиеся русские художники Василий Поленов, Виктор Васнецов, Исаак Левитан, Константин Коровин, Валентин Серов, Михаил Врубель в постановках опер русских композиторов передавали своеобразие отечественной истории, картин природы, поэзию сказочных образов.
Мастерство художников «Мира искусства» (художественного объединения конца XIX – начала XX веков) – Александра Бенуа, Льва Бакста, Николая Рериха, Ивана Билибина, Мстислава Добужинского – сыграло важную роль в постановке оперно-балетных спектаклей и оказало огромное влияние на развитие театрального искусства.
Начиная с XIX века русский балет является национальной гордостью России.
Впервые балетный спектакль был поставлен в России в 1673 году при дворе царя Алексея Михайловича. С того момента начался славный путь развития этого вида искусства, достигшего к концу XIX – началу XX века невиданного расцвета. Балетные традиции пришли в Россию из Франции: иностранные танцовщики и балетмейстеры приглашались в Россию для постановки спектаклей и преподавания. Большое влияние на формирование русской балетной традиции оказали французы Шарль Луи Дидло и Мариус Петипа.
Выдающуюся роль в истории балета сыграл композитор Пётр Ильич Чайковский. Именно в его творчестве появилось единство музыкальной драматургии и танца, а балетный спектакль приобрёл законченность и глубину.
Балеты П. И. Чайковского «Лебединое озеро», «Спящая красавица» и «Щелкунчик» включены в репертуар ведущих театров мира и пользуются неизменным успехом у зрителей.
Следующая блестящая страница в истории русского балета – знаменитые гастрольные выступления русских артистов балета и оперы «Русские сезоны» в Европе в начале XX века. Их организовал выдающийся деятель искусства и антрепренёр Сергей Павлович Дягилев. Он объединил силы многих талантливых артистов, музыкантов и художников того времени. В составе собранной им балетной труппы были легендарные танцовщики Анна Павлова, Вацлав Нижинский, Тамара Карсавина, а также балетмейстер Михаил Фокин. Идея русских сезонов состояла в расширении рамок классического балета. Впервые были поставлены новаторские балеты И. Ф. Стравинского «Жар-птица», «Петрушка» и «Весна священная». Декорации и костюмы создавали выдающиеся художники – Лев Бакст, Александр Бенуа, Николай Рерих и другие.
«Русские сезоны» произвели блистательное впечатление на европейскую публику и закрепили за русским балетом статус высочайшего уровня мастерства.
№ 1. Какой композитор написал оперу «Иван Сусанин»? Выберите правильный ответ.
Варианты ответов: М. И. Глинка; П. И. Чайковский; М. П. Мусоргский; А. П. Бородин.
В обучающем видео называется имя Михаила Ивановича Глинки – композитора, написавшего оперу «Иван Сусанин».
Правильный ответ: М. И. Глинка.
№ 2. Зачеркните понятия, которые НЕ относятся к балету.
Варианты ответов: декорация; декламация; музыка; танец; либретто; ария; пантомима; сюжет; речитатив.
Балет, как и опера, является синтетическим жанром, в котором сочетаются различные виды искусства. Самым явным отличием оперы от балета является то, что в опере все артисты поют, а в балете – только танцуют. Соответственно, всё, что имеет отношение к речи или пению, НЕ относится к балету.
Правильные ответы: декламация; ария; речитатив – зачёркиваем.
Музыка. 5 класс
Конспект урока
Путешествие в музыкальный театр. Опера. Балет
Перечень вопросов, рассматриваемых по теме:
— опера как синтез искусств;
— структура оперы, основные жанры, используемые в оперном спектакле;
— балет как синтез искусств.
Опера (от итал. opera – «сочинение») – основной жанр музыкального театра, род музыкально-драматического произведения, основанный на синтезе слова, сценического действия и музыки.
Либретто (от итал. libretto – «книжечка») – литературная основа, литературный текст большого музыкально-вокального произведения (оперы, оперетты, оратории), сценарий балетного спектакля.
Балет – (от фр. ballet, от итал. ballare – «танцевать») – вид сценического искусства, спектакль, содержание которого воплощается в музыкально-хореографических образах.
Увертюра (от фр. ouverture – «открытие, начало») – оркестровое вступление к театральному спектаклю.
Речитатив – специфическая форма певучей декламации, воспроизводящая ритмический и интонационный рисунок естественной речи.
Ария – сольное вокальное произведение с инструментальным сопровождением.
Каватина – небольшая ария, обычно лирического характера.
Рондо – музыкальная форма, в которой многократно повторяется главная тема.
Сергеева Г. П. Музыка. 5 класс. Учебник для общеобразовательных организаций. // Г. П. Сергеева, Е. Д. Критская. – 10-е изд., перераб. – М.: Просвещение, 2019. – 159 с.
Тематический материал для самостоятельного изучения
Ах, это волшебное слово «театр»! Как только слышишь его, сразу представляются артисты, костюмы, декорации, исторические баталии, ожившие сказки, фантазии… А если это музыкальный театр, то к образам добавляются музыка, оркестр, дирижёр, певцы и танцы… На протяжении многих столетий театральное искусство оставалось востребовано и любимо публикой. Идя в ногу с развитием человечества, оно отражало острые проблемы бытия.
Опера (от итал. opera – «сочинение») – основной жанр музыкального театра, род музыкально-драматического произведения, основанный на синтезе слова, сценического действия и музыки.
Она берёт своё начало от древнегреческих трагедий, в которых сочетались чтение стихов, сольное и хоровое пение, игра на музыкальных инструментах. Претерпев длинный путь исторических трансформаций, опера предстала перед нами как жанр, объединяющий практически все основные формы искусства – музыку, литературу, актёрское мастерство, хореографию (балет), изобразительное искусство (декорации, костюмы) и прочие. Каждая опера обязательно имеет сюжет, в основу которого ложатся исторические события, легенды или предания, художественные произведения или сказки.
Литературная основа оперы представлена в форме либретто (от итал. libretto – «книжечка»). Название «книжечка» связано с тем, что оперные либретто с конца XVII века часто выпускались для посетителей театров в виде небольших буклетов. Сейчас содержание спектакля печатается в программке.
Либретто для оперы пишется специально. Его сочиняет литератор – либреттист, как правило, тесно сотрудничая с композитором, так как музыка – неотъемлемая часть оперного спектакля, являющаяся основным носителем и движущей силой действия. Только в единстве всех элементов действия содержание раскрывается наиболее полно.
Музыкальная палитра оперного спектакля многослойна: в ней могут использоваться самые разнообразные музыкальные формы и жанры.
Увертюра (оркестровое вступление), ария, романс, песня, речитатив, дуэты, трио, ансамбли, хоры, а также различные танцы (бальные, народные, характерные) – вот далеко не полный перечень элементов оперного действия.
Увертюра (от фр. ouverture – «открытие, начало») – оркестровое вступление к театральному спектаклю. Она исполняется перед началом действия и настраивает публику на характер спектакля. Часто в увертюре звучат музыкальные темы, которые характеризуют персонажей или события предстоящего действия. Так, например, в увертюре к опере М. И. Глинки «Руслан и Людмила» выражена основная идея сочинения – торжество светлых сил, которая подчёркнута ликующей музыкой.
Характер персонажей показывается в ариях, каватинах, песнях, рондо и других сольных формах. Яркий тому пример – ария Снегурочки из оперы Н. А. Римского-Корсакова «Снегурочка».
Портрет Антониды из оперы М. И. Глинки «Иван Сусанин» представлен в каватине и рондо героини. А образ Ивана Сусанина раскрывается в арии «Ты взойдёшь, моя заря».
Каватина – небольшая ария, обычно лирического характера.
Рондо – музыкальная форма, в которой многократно повторяется главная тема.
В опере Н. А. Римского-Корсакова «Садко» главного героя, гусляра Садко, характеризует песня. Она звучит из уст Волховы – дочери морского царя.
Особое место в оперной музыке занимает речитатив – специфическая форма певучей декламации, воспроизводящая ритмический и интонационный рисунок естественной речи. Как известно, в оперном спектакле все артисты поют, причём не только арии, но и все реплики как в сольных, так и массовых сценах. Часто в форме речитатива выражаются размышления или впечатления главных героев, нередко они звучат перед арией, вводя зрителя в курс событий. Таковы речитатив и ария Руслана из оперы М. И. Глинки «Руслан и Людмила».
Балет (от фр. ballet, итал. ballare – «танцевать») – вид сценического искусства, спектакль, содержание которого воплощается в музыкально-хореографических образах.
Так же как и в опере, в основе балета лежит определённый сюжет, выраженный в форме литературного текста – либретто. Балет базируется на классическом сценическом танце, но также его дополняют другие хореографические элементы: гимнастика, акробатика, элементы восточных единоборств, народные пляски. Помимо этого, немаловажную роль играет пантомима, с помощью которой актёры выражают разговоры и передают чувства героев.
Пантомима – вид сценического искусства, в котором основным средством создания художественного образа является пластика человеческого тела, без использования слов.
Завершением оперного спектакля может служить эпилог, в котором задействованы практически все участники действия и самые яркие выразительные средства. К примеру, монументальный хор «Славься» – финальная часть оперы «Иван Сусанин».
Отдельного внимания, как в опере, так и балете, заслуживают театральные декорации и костюмы. Они являются важнейшими элементами при создании атмосферы и формировании визуальной целостности спектакля. Выдающиеся русские художники Василий Поленов, Виктор Васнецов, Исаак Левитан, Константин Коровин, Валентин Серов, Михаил Врубель в постановках опер русских композиторов передавали своеобразие отечественной истории, картин природы, поэзию сказочных образов.
Мастерство художников «Мира искусства» (художественного объединения конца XIX – начала XX веков) – Александра Бенуа, Льва Бакста, Николая Рериха, Ивана Билибина, Мстислава Добужинского – сыграло важную роль в постановке оперно-балетных спектаклей и оказало огромное влияние на развитие театрального искусства.
Начиная с XIX века русский балет является национальной гордостью России.
Впервые балетный спектакль был поставлен в России в 1673 году при дворе царя Алексея Михайловича. С того момента начался славный путь развития этого вида искусства, достигшего к концу XIX – началу XX века невиданного расцвета. Балетные традиции пришли в Россию из Франции: иностранные танцовщики и балетмейстеры приглашались в Россию для постановки спектаклей и преподавания. Большое влияние на формирование русской балетной традиции оказали французы Шарль Луи Дидло и Мариус Петипа.
Выдающуюся роль в истории балета сыграл композитор Пётр Ильич Чайковский. Именно в его творчестве появилось единство музыкальной драматургии и танца, а балетный спектакль приобрёл законченность и глубину.
Балеты П. И. Чайковского «Лебединое озеро», «Спящая красавица» и «Щелкунчик» включены в репертуар ведущих театров мира и пользуются неизменным успехом у зрителей.
Следующая блестящая страница в истории русского балета – знаменитые гастрольные выступления русских артистов балета и оперы «Русские сезоны» в Европе в начале XX века. Их организовал выдающийся деятель искусства и антрепренёр Сергей Павлович Дягилев. Он объединил силы многих талантливых артистов, музыкантов и художников того времени. В составе собранной им балетной труппы были легендарные танцовщики Анна Павлова, Вацлав Нижинский, Тамара Карсавина, а также балетмейстер Михаил Фокин. Идея русских сезонов состояла в расширении рамок классического балета. Впервые были поставлены новаторские балеты И. Ф. Стравинского «Жар-птица», «Петрушка» и «Весна священная». Декорации и костюмы создавали выдающиеся художники – Лев Бакст, Александр Бенуа, Николай Рерих и другие.
«Русские сезоны» произвели блистательное впечатление на европейскую публику и закрепили за русским балетом статус высочайшего уровня мастерства.
№ 1. Какой композитор написал оперу «Иван Сусанин»? Выберите правильный ответ.
Варианты ответов: М. И. Глинка; П. И. Чайковский; М. П. Мусоргский; А. П. Бородин.
В обучающем видео называется имя Михаила Ивановича Глинки – композитора, написавшего оперу «Иван Сусанин».
Правильный ответ: М. И. Глинка.
№ 2. Зачеркните понятия, которые НЕ относятся к балету.
Варианты ответов: декорация; декламация; музыка; танец; либретто; ария; пантомима; сюжет; речитатив.
Балет, как и опера, является синтетическим жанром, в котором сочетаются различные виды искусства. Самым явным отличием оперы от балета является то, что в опере все артисты поют, а в балете – только танцуют. Соответственно, всё, что имеет отношение к речи или пению, НЕ относится к балету.
Правильные ответы: декламация; ария; речитатив – зачёркиваем.
ПРОГУЛКИ С КЛАССИКАМИ
КАК БАЛЕТ ОСВАИВАЛ БОЛЬШУЮ ЛИТЕРАТУРУ
История «дружбы» литературы и танца уводит к истокам возникновения этих жанров.
Так или иначе танец и литература соприкасались и пересекались на протяжении веков. Но их подлинное слияние произошло только в XX веке с возникновением драмбалета, наивысшей точки оно достигло в творчестве Джона Ноймайера, хореографа с чутьем и знаниями филолога, создавшего уникальный авторский жанр литературного балета. Чтобы понять, появились эти феномены спонтанно или для этого были предпосылки, стоит вспомнить некоторые эпизоды из истории взаимодействия балета и литературы.
Антологию народных и придворных танцев, известных в Англии к XVI веку, можно составить по произведениям Шекспира. Особенно богата в этом смысле пьеса «Сон в летнюю ночь», которая в XX веке станет интереснейшим примером литературного балета Джона Ноймайера.
Значительный провал в «отношениях» балета и литературы случился в самый ответственный момент, когда историки зафиксировали рождение нового жанра. В 1581 году на свадьбе герцога де Жуайёза в Большом зале Бурбонского дворца Парижа показали «Цирцею, или Комедийный балет королевы». В создании либретто этого действа не участвовали Пьер де Ронсар или другие поэты «Плеяды», но музыкант Бальтазарини де Бельджозо, придумавший и поставивший этот пышный многочасовой спектакль, бесспорно, руководствовался идеями поэтов «Плеяды» с их любовью к античности и пытался возродить жанр античной драмы. А открыл оригинальный жанр придворного балета. Танцы занимали в пятичасовом спектакле не больше четверти всего действия, основное место было отдано вокальным номерам и диалогам без музыки.
Театр барокко призвал на службу деятельного, сильного героя. Человека жаждущего счастья и потому влюбленного в жизнь. Главный интерес вызывала рыцарская тематика. Составители балетов обратились за сюжетами к двум великим поэтам итальянского Возрождения — Торквато Тассо и Лудовико Ариосто. В 1617 году в Лувре был представлен балет «Освобождение Рено». Сценарий сочинил поэт Жиль Дюран «по мотивам» «Освобожденного Иерусалима» Тассо. Акцент на слове «по мотивам». Примерно с этого времени мы имеем дело с балетами, в основу сюжета которых легли известные литературные произведения. Вплоть до начала XIX века, когда написанием балетных либретто занялись поэты-романтики Генрих Гейне и Теофиль Готье, мы будет встречать оговорку «по мотивам».
В «Освобождении Рено» герой отдыхал на цветущем холме, охраняемый духами. Духи исполняли длинный танец и уводили Рено в грот. Под трубные звуки выходили два танцующих рыцаря. Дальше действие развивалось без танца до сцены сражения рыцарей с чудищами, здесь и начинался собственно балет, в котором смешались буффонада и серьезность. По этому и другим примерам можно заключить, что балету тогда не хватало собственных художественных средств для воспроизведения перипетий сюжета языком танца — и танец уступал место мелодекламации, буффонаде, драматическому театру.
Новое сближение и взаимопроникновение литературы и балета спровоцировал Людовик XIV, когда взял «под свое крыло» Мольера и его труппу. Драматургу в ответ на любезность короля пришлось считаться со вкусами двора и обратиться к балету — самому аристократическому из тогдашних театральных искусств. В предисловии к «Докучным» (1661) Мольер объяснил практическими целями чередование драматических и танцевальных эпизодов в пьесе: нехватка танцовщиков ограничивала возможности постановщика, артистам требовалось время для переодевания между сценами. Но Мольер хотел еще и «соединить комедию и балет в одно целое», связать их сюжетно. Эта идея открывала балету путь к драматизации танца. Оставаясь все тем же танцевальным антре, то есть завершенным по форме номером, балет вплотную подходил к собственной сюжетности. В книге «Мнение о древних и новейших зрелищах» аббат де Пюр пишет о том, что жесты и движения в балете должны полностью заменять слова. Писателя возмущает, что балет своего собственного внутреннего содержания не имеет, поэтому зрители вынуждены читать длинные либретто, вручаемые им при входе. На первый взгляд комедия-балет «Мещанин во дворянстве» (1670) уходит от балетной бессмыслицы. В балетной сцене посвящения господина Журдена в мамамуши, где Муфтия изображал танцующий композитор Жан-Батист Люлли, а Журдена — Мольер, все было предельно ясно. Церемония посвящения возникла в пьесе по приказу Людовика XIV, который был зол на главу турецкой делегации Солимана-агу, оказавшегося мошенником, а никаким не послом турецкого султана. Король заказал Мольеру и Люлли «смешной турецкий балет», в котором была бы высмеяна турецкая делегация. Наблюдательно пользуясь материалом быта и нравов, которым король снабдил своих постановщиков через знатока Турции шевалье Д’Арвье, драматург и композитор, казалось бы, открыли в жанре комедийного балета свежие возможности для развития балетного театра. Однако они лишь оттачивали традиции танцевальной буффонады.
Никаких интересных сюжетов, связанных с нашей темой, мы не найдем в XVIII веке. Балет этого времени вместе с другими жанрами молился греческим и римским богам и воспевал подвиги античных героев. Реформатор балета Жан Жорж Новерр много сделал, чтобы обособить балетное представление от оперы. Он добился на этом поприще серьезных результатов, в том числе нашел композиторов, которые создавали партитуры специально для его балетов (спектакль «Ясон и Медея» на музыку Жана-Жозефа Родольфо и другие в Штутгарте и «Безделушки» Моцарта в Париже), но в эпоху его реформ серьезная литература в балетах использовалась очень поверхностно. Однако есть достойный упоминания сюжет, связанный с Новерром и Жаном Добервалем, автором первой «Тщетной предосторожности». В 1780 году хореографы выпустили для светского празднества в Монтрё балет «Свадьба Гамаша». Это была пантомима, составленная из нескольких сцен «Дон Кихота» Сервантеса. В основе сюжета — рассказ о свадьбе богатого дворянина Камачо и бедной девушки Китерии, в которую был влюблен нищий Басилио. Это не первое в истории балета обращение к роману романов, постановку «Дон Кихота» осуществил Франц Хильфердинг в Вене, но мы почти ничего о ней не знаем. Причины, по которым Дон Кихот и другие персонажи романа попали в балет, очевидны. Все дело было в популярности произведения и наличии в нем, кроме основного сюжета, целой группы колоритных параллельных историй, подходящих для балета. «Свадьбу Гамаша» возобновил в 1810 году в Парижской Опере хореограф Луи Милон. В историю балета он вошел как один из революционеров сцены. Кульминацией конфликта в его балете была сцена мнимого самоубийства Басилио на свадьбе Китерии и Камачо. Критик «Меркюр де Франс» хвалил Милона за «буквальное следование роману „Дон Кихот“, свидетельствующее об уме и благоразумии», еще он называл балет «оригинальным, полным движения, свежести и веселья, проглядывающего во всем». Критик имел в виду эпизод предусмотрительного падения Басилио/Базиля, как бы заколовшегося кинжалом, на собственный плащ, который, кстати, перекочевал в современные версии «Дон Кихота». Забавно, что этот трюк с плащом и кинжалом — не выдумка балетмейстера, он подробно описан у Сервантеса. И все же назвать спектакль Луи Милона вполне литературным балетом нельзя.
Зато следующие эпохи — преромантизм и романтизм — прочно связали балет и литературу. Поэтов и писателей эпохи вдохновляла парящая Мария Тальони, разговоры о ней витали в воздухе, попадали в мемуары и романы. Балет откликался на то, что возникало в литературе, живописи, в театре, и рождалась литература, вдохновленная балетом.
С конца XVIII века хореограф становится главным автором балетных спектаклей. Он составлял план и текст сценария. До появления сторонних либреттистов хореограф приспосабливал для балета пьесы, романы или комические оперы. Сценаристы двух главных балетов романтизма пользовались литературными источниками: Адольф Нурри, автор «Сильфиды», вдохновился фантастической повестью Шарля Нодье «Трильби, или Аргайльский колдун», создатели «Жизели» Готье и Сен-Жорж воспользовались славянской легендой о виллисах, упомянутой Гейне в книге «О Германии».
К созданию литературного балета был близок петербургский хореограф Иван Вальберх. Он посетил в 1802 году Париж, познакомился с французским балетом. Ему оказались чужды легковесные парижские постановки того времени, где содержание часто приносилось в жертву виртуозной технике премьеров-танцовщиков. У Вальберха была сложная ситуация, для него балет был и призванием, и профессией, которая приносила заработок, необходимый для содержания большой семьи. Средств не хватало, и он «подрабатывал» переводами иностранных пьес для театра, благо он получил хорошее образование и знал в совершенстве несколько языков. А для балета он использовал не только переведенные им пьесы, но и сюжеты мировой литературы. В 1801 году Вальберх сочинил балет «Новый Стерн», преобразовав отдельные мотивы романа Лоренса Стерна «Сентиментальное путешествие». Он же поставил балет «Ромео и Юлия» по Шекспиру и «Поль и Виргиния» по одноименному роману писателя-сентименталиста Бернардена де Сен-Пьера. Вальберх не был так талантлив, как возглавлявший тогда балетную труппу Санкт-Петербургских Императорских театров Карл Дидло, но он точно герой нашего расследования вследствие очевидной литературоцентричности его мышления. Еще в 1799 году он осуществил постановку балета «Новый Вертер» с музыкой С. Титова. Сценарий опирался на две современные повести — «Российский Вертер» М. Сушкова и «Несчастный М-в» А. Клушина, обе навеяны романом Гете «Страдания юного Вертера». К сожалению, сценарий балета не сохранился, но в любом случае мы имеем дело с комбинированием литературных источников для балетного либретто, и, что важно, литературными штудиями занимался сам балетмейстер! По всей видимости, Вальберх шел против течения, не следовал за европейской модой. Он ставил в Петербурге «пешеходные», пантомимические спектакли в то время, когда мировой балет культивировал виртуозность и полетность танца.
В развитии европейского романтизма литература играла решающую роль. В ходе накопления возможностей романтического балета эту роль трудно переоценить.
В 1844 году хореограф Жюль Перро обратился к роману Виктора Гюго «Собор Парижской Богоматери» и сочинил на его основе балет «Эсмеральда». Гейне написал сценарии двух балетов — «Богиня Диана» и «Доктор Фауст». Но Перро их забраковал под тем предлогом, что их невозможно воплотить сценически. И написал либретто «Фауста» сам. «Фауст» вообще стал одним из самых популярных балетных сюжетов того времени. В 1828 году на сцене парижского театра Порт Сен-Мартен была показана мелодрама «Фауст» с Фредериком Леметром в роли Мефистофеля. Исследователи творчества артиста писали, что постановщики так мало оставили от философии и поэтики Гете, что стыдливо отказались указать на афише свои имена. Этот спектакль увидел итальянский танцовщик и хореограф Карло Блазис и, вдохновившись идеей, сочинил сценарий балета «Мефистофель, или Дух зла. Поэтико-философский балет в девяти картинах» (1835 год, постановка — в 1856-м). Сохранились сценарий и предисловие, в котором Блазис щеголяет эрудицией, ссылаясь на поэму Гете, немецкую «народную книгу» о Фаусте и ее литературную обработку Георга Видмана, упоминая реальный прототип легенды, доктора Иоганна Фауста. Также Блазис дает понять, что знаком с пьесой Марло, работами Лессинга и романом Ф. Клингера «Жизнь Фауста».
«Татьяна». Сцены из спектакля. Фото В. Луповского
В русском балете XIX—ХХ веков автором-фаворитом на балетной сцене стал Пушкин. Его произведения — «Руслан и Людмила», «Кавказский пленник», «Бахчисарайский фонтан», «Сказка о рыбаке и рыбке», «Сказка о мертвой царевне», «Золотой петушок» и др. — ставились лучшими балетмейстерами неоднократно, но их прежде всего привлекали сказочно-фантастические элементы сюжетов, которые можно было поставить с помощью театральной машинерии и красочно «отанцевать».
«Татьяна». Сцены из спектакля. Фото В. Луповского
Ленский для Ноймайера схож с чеховским Треплевым, одним из любимых героев-творцов хореографа. «Чайка» (2002) предшествовала «Татьяне», балеты разделяют 12 лет, но они оба — отличные примеры литературных балетов. У Ноймайера есть еще литературоведческий или даже источниковедческий балет «Гамлет». Даже серия балетов о Гамлете. В 1985 году Ноймайер во второй раз обратился к теме и поставил спектакль «Амлет» по трагедии Шекспира, «Деяниям данов» Саксона Грамматика и другим дошекспировским источникам. Формально он делал балет по Шекспиру, но усложнил образы, прежде всего — матери Амлета Герут, которую принудили к династическому браку с победительным братом-близнецом, в то время как любила она другого брата. Тема ее женской судьбы, таким образом, расширяется в балете Ноймайера.
В завершение перечислю популярные названия мировой литературы, по мотивам которых были созданы балеты. Это, как ни странно, самая интеллектуальная пьеса всех времен и народов — «Гамлет» (20 обращений!), «Собор Парижской Богоматери», «Сон в летнюю ночь», «Ромео и Джульетта», «Дон Кихот», «Освобожденный Иерусалим», «Фауст», «Анна Каренина», «Евгений Онегин», «Пер Гюнт», «Чайка», «Кармен». Среди редких названий, присвоенных балетной сценой, — «Сентиментальное путешествие» (Иван Вальберх), «В поисках утраченного времени» (Ролан Пети), «Смерть в Венеции», «Парсифаль», «Трамвай „Желание“» (все — Джон Ноймайер), «Дама с собачкой» (Майя Плисецкая), «Царь-рыба» (Сергей Бобров).
А. Любимов (Онегин), В. Муханова (Татьяна). Фото В. Луповского
Где, когда и почему рождается литературный балет? Совершенно очевидно, что это свидетельство консерватизма в развитии балета как жанра. Пересказывание сюжета начинается, когда буксует форма. Так, в конце 30-х годов прошлого века «свернулись» поиски большинства европейских и российских хореографов в области формы, и драмбалет начал наступать как неотвратимая реакция на невероятный авангард 10–20-х годов. Но опыт Ноймайера, который перерос своих учителей, уникален, хотя неожиданно обнаружился его «предшественник» Иван Вальберх, наивно экспериментировавший с Вертером в духе гамлетовских исследований гамбургского хореографа.
1. Цит. по: Блок Л. Д. Классический танец: история и современность. М., 1987. С. 61.