дизайн или живопись что выбрать
Художник и дизайнер, в чем разница?
«Дизайнер отличается от художника умением зарабатывать» — Лоуренс Ван Ден Акер
Получается, что заказчик и дизайнер остаются каждый при своем мнении. Но претензий при этом не уменьшается. Проблема сопоставления деятельности художника и дизайнера существовала испокон веков. Тогда нужно с ней как-то бороться.
Первая разница профессий – конечный результат творчества. Что делает художник? При помощи кисти, карандаша, ручки он создает картину, эскиз и так далее. Конечным результатом деятельности дизайнера является проект или продукт. Естественно, для дизайнера также ценно в совершенстве владеть художественным искусством, но все же это не главное.
Проект дизайнера должен отвечать требованиям заказчика. Например, иметь удобный интерфейс, возможности, решать конкретные задачи. Картина имеет только несколько пунктов для оценки – визуальное восприятие, соответствие стилю. Результат живописи по сути не решает практических задач. Он только дает представление о самовыражении автора. А бывает и такое, что мы не можем понять, что же все-таки хотел сказать автор своей картиной. А в дизайнерском мастерстве все предельно ясно.
У дизайнера есть цель – выполнить требования заказчика, не забывая при этом про здравый смысл, поскольку требования иногда с ним явно граничат. Если дизайнер хоть немного отступает от поставленной цели, то это чревато негативными последствиями. Новички наверняка еще считают свою профессию креативной, но по факту это не так. Дизайн заключается в том, чтобы привычные нам вещи сделать уникальными, взглянув на них немного с другого ракурса.
Живопись не приемлет веяний моды. Красиво – значит уместно. Дизайн как раз наоборот. Он, как новая кофточка. когда-то она смотрелась невероятно круто, а через год она уже никуда не годится. Приходится полностью менять гардероб. То же самое и в дизайне. Дизайнер никогда не сидит на месте. Он постоянно изучает новые веяния современного искусства с точки зрения создания вэба. Он идет в ногу со временем, а иногда и опережает его, ведь если он не изобретет нечто новое, то в дальнейшем он будет заклеймен шаблонностью. Нам ведь это ненужно.
Так что, уважаемые дизайнеры, если вас все больше приравнивают к художникам, призванным создавать шедевры вэб-индустрии, то вспомните, что вы сами по себе уникальны без особых живописных творений. Вы делаете свою работу, которую безмерно любите и цените.
Разница между искусством и дизайном
Вопрос о том, что разделяет дизайн и искусство является весьма запутанным и неоднократно обсуждался в течении долгого времени.
Художники и дизайнеры создают визуальные композиции, используя при этом общую базу знаний, но их цели абсолютно разные.
Некоторые дизайнеры считают себя художниками, но лишь немногие художники считают себя дизайнерами.
Итак, в чем же заключается разница между искусством и дизайном? В данной статье мы рассмотрим и сравним некоторые основные принципы каждого из направлений.
Этот топик не является окончательным руководством, но, скорее, отправной точкой для обсуждений.
Хорошее произведение искусства вдохновляет. Хороший дизайн мотивирует.
Пожалуй, самое принципиальное различие между искусством и дизайном, с чем мы все согласимся, является их цель.
Как правило, процесс создания произведения искусства начинается с нуля, с пустого холста. Произведение искусства проистекает из представлений, мнений или ощущений, художника.
Художники создают произведение искусства, чтобы разделить свои чувства с остальными, позволяют зрителям учиться у него или вдохновляться им.
Наиболее известными (и успешными) произведениями искусства сегодня являются те, которые устанавливают самые сильные эмоциональные связи между художником и его аудиторией.
Напротив, когда дизайнер собирается создать что то, у него почти всегда есть отправная точка, будь то сообщение, изображение, идея или действие.
Работа дизайнера не состоит в изобретении чего то нового, а состоит в комбинировании чего то, для определенной цели.
Целью является мотивация аудитории делать что то: купить товар, воспользоваться услугой, посетить место, получить определенную информацию. Наиболее успешными являются те дизайны, которые эффективно передают идеи дизайнера и мотивируют потребителей выполнить какую нибудь задачу.
Хорошее произведение искусства интерпретируется. Хороший дизайн понятен.
Еще одно различие между искусством и дизайном состоит в том, как смысл каждого из них интерпретируется их соответствующей аудиторией.
Хотя художник выражает свою точку зрения или эмоции, это не означает, что точка зрения или эмоция имеет одно значение.
Произведение искусства воспринимается людьми по разному, потому что она по разному интерпретируется.
Картина Да Винчи “Мона Лиза”, была истолкована и обсуждалась в протяжении многих лет. Почему же она улыбается? По мнению ученых, это иллюзия, созданная вашим периферийным зрением. Романтики говорят, что она влюблена. Скептики говорят, что нет никаких причин и оснований ее улыбки. Никто из них не прав.
Дизайн же имеет противоположный смысл. Многие скажут, что если дизайн можно будет каким нибудь образом “толковать”, то дизайнер потерпел неудачу в своих целях.
Фундаментальной целью дизайна является передача идей дизайнера пользователю и его мотивация делать что то.
Если ваш дизайн передает идею отличную от той, что вы намеревались передать, и ваш пользователь делает какое нибудь действие исходя из этой полученной идеи, тогда дизайн не удался. При хорошем дизайне пользователю передается точные идеи дизайнера.
Хорошее произведение искусства является признаком вкуса. Хороший дизайн является мнением.
Произведение искусства судят мнением а вкус регулирует мнение.
Для дальновидных современных энтузиастов искусства, работа Трейси Эмин (Tracey Emin) “Моя Кровать” (My Bed), которая была номинирована на премию “Turner Prize” в 1999-м году, может казаться верхом художественного выражения.
Для последователя более традиционного искусства, эта работа может оказаться оскорбительной. Это относится к нашей точки зрения насчет толкования, но вкус это больше то, что определенному человеку нравится и не нравится, чем то, какое сообщение он получает от произведения искусства.
Дизайн несет в себе элемент вкуса, но разница между хорошим и плохим дизайном во многом дело вкуса.
Хороший дизайн может все еще быть успешным, даже если он вам не по вкусу. Если он выполняет свою цель, понятен и мотивирует людей делать что-то, тогда хороший он или нет, это дело вкуса.
Мы могли бы обсудить данный конкретный вопрос, но надеюсь, что принцип ясен.
Хорошее произведение искусства это талант. Хороший дизайн это мастерство.
Как насчет способностей художника и дизайнера?
Чаще всего, у художника есть природные способности. Конечно, с самого раннего возраста, художник растет рисуя, занимается живописью, скульптурами и развивает свои способности.
Но истинная ценность художника заключается в его таланте (или врожденных способностях) с которым он родился. Хорошие художники, конечно же, имеют способности, но художественные навыки без таланта, пожалуй, бесполезны.
Однако, дизайн, это способность, которому учат и которому учатся. Вам не нужно быть великим художником, чтобы быть великим дизайнером; вам всего лишь нужно будет учиться хорошему дизайну.
Некоторые из самых уважаемых дизайнеров в мире известны своим минималистическим стилем. Они не используют много цветов или текстур, но они уделяют много внимания к размеру, позиционированию и расстояниям между элементами дизайна, чему можно научиться без врожденного таланта.
Хорошее произведение искусства передает всем разные сообщения.
Хороший дизайн передает всем одно и то же сообщение.
Это подпадает под действие второго пункта о толковании и понимании. Но если вы запомните только один пункт из этой статьи, то запоминайте именно этот пункт.
Много дизайнеров считают себя художниками, потому что они создают что то визуально привлекательное.
Но визуальная композиция призвана выполнить конкретную задачу, передать определенное сообщение. Вне зависимости от того насколько дизайн прекрасен, это не произведение искусства. Дизайн это форма общения, просто окошко, в котором содержится сообщение, информация.
Немногие художники называют себя дизайнерами, поскольку они, судя по всему, лучше понимают разницу. Художники не создают свои картины для продажи товара или продвижения услуги. Они создают ее исключительно для самовыражения, чтобы она могла быть просмотрена и оценена другими. Сообщение, если мы даже можем его так назвать, это не факт, а чувство.
Что вы думаете?
В зависимости от того, как вы смотрите на это, разница между искусством и дизайном может быть четкой или туманной. Эти два понятия, безусловно, пересекаются, но искусство является более личным, вызывая сильную реакцию в тех, кто связан с ним.
Я оставляю вас с этой цитатой от Крейга Элимелиаха (Craig Elimeliah), кто освещал данную тему в своей фантастической статье для AIGA, который я обнаружил в ходе своих исследований для данной статьи.
“Я не претендую на должность эксперта, чтобы решить, что есть искусство и чем искусство не является, но я знаю, что если мы посмотрим на различия между искусством и дизайном, мы увидим очень четкую разделяющую линию между ними.
Инженер может создать красивый сайт, если дать ему точные координаты для вставки разных цветных пикселей, или же следуя определенным инструкциям; большинство из проектов дизайна имеют подробные инструкции и большинство дизайнов основаны на текущих тенденциях.
Художник, с другой стороны, никогда не может получать каких либо инструкций для создания нового хаотичного и уникального шедевра, потому что его эмоции и душа будут диктовать его рукам движения.
Арт-директор не будет кричать на художника из за того, что он создал что-то абсолютно уникальное, потому что это и делает художника художником, а не дизайнером.”
Дизайн — это искусство. Или нет?
Наши дизайнеры немного порефлексировали над своей работой. Где в ней место вдохновению? Как они понимают красоту? Чем айдентика отличается от шедевра живописи?
Есть расхожее мнение, будто бы дизайнеры черпают вдохновение из какого-то астрала напрямую от самой Музы. Или будто бы они в своей работе воплощают своё особое видение мира. Из-за этого заблуждения молодые люди, только приходящие в дизайн, часто испытывают когнитивный диссонанс. Иногда это сильно удивляет клиентов брендинговых агентств. Наши дизайнеры рассказали о своей работе и сравнили её с деятельностью художника, творящего шедевры ради искусства.
Безусловно, и дизайнеры и художники имеют дело с визуальными образами. Другое дело, что для художника творчество — это акт свободного самовыражения, независимого от каких бы то ни было рамок и условий, кроме внутренних. Деятельность дизайнера — работа, в которой преобладает аналитическое мышление, нежели творческая составляющая.
Разумеется, творческая составляющая присутствует в работе дизайнера. Без неё вряд ли можно стать хорошим специалистом. В какой-то мере здесь присутствует и искусство, с которым дизайнер должен быть постоянно в контакте. Оно помогает тоньше чувствовать взаимосвязи визуальных образов и реальности.
Мы живём в визуальной культуре, на которую во многом влияют художники, музыканты, модельеры, архитекторы. Изучение современного искусства небесполезное занятие для дизайнера. Это возможность по-новому взглянуть на использование материалов, гармоничных цветовых решений, эмоциональную составляющую визуального пространства, а, соответственно, и будущего бренда.
Элементы современного искусства часто используются в дизайне. Нередко дизайнеры приглашают к сотрудничеству художников — иллюстраторов, каллиграфов, — в качестве оформителей разработанной концепции. Например, известный дизайнер-каллиграф Покрас Лампас довольно часто участвует в оформлении рекламных кампаний. Но искусство присутствует в дизайне в строго необходимой пропорции для решения поставленной задачи. И определяет эти самые пропорции именно дизайнер.
Хороший дизайн может в некоторых случаях и вовсе быть максимально безэмоциональным, безликим и прагматичным. Если нужно сверстать расписание электричек, то тут уж точно не должно быть никакого „полёта фантазии“.
Художник создаёт то, что ему нравится, что выражает его видение. Дизайнеру не всегда попадаются подобные задачи. Например, я люблю собак, бирюзовый и жёлтый цвет, но для консалтинговой компании такой визуал и цветовое сочетание будут совсем не релевантные.
Дизайн должен решать задачу клиента, а не быть местом самовыражения дизайнера. Многие начинающие дизайнеры делают проекты в похожей стилистике вне зависимости от задач клиента. С опытом дизайнер становится более ориентирован на проект, чем на свои предпочтения.
Также художник в своём творчестве часто не имеет сроков работы, либо эти сроки достаточно абстрактны. Штатный дизайнер всегда загружен задачами, при этом не обязательно творческими. Дизайнер не может работать по настроению.
В работе дизайнера обычно множество ограничений. Причём, как правило, чем их больше, тем интереснее финальный результат. Самый страшный проект для дизайнера — тот, в котором можно творить, что хочешь. У художника всё прямо противоположно.
Огромная разница в труде художника и дизайнера заключается в том, от чего отталкивается творец. Художник исходит из замысла выразить то, что лежит у него на душе. Дизайнер выражает то, что заложено в бриф. Ведь творит он не для себя, не для искусства, не ради всего человечества, а для компании клиента.
Самый первый и важный этап работы дизайнера — изучить бриф, работу компании, текущий фирменный стиль и пожелания клиента. Просматриваются графические решения конкурентов. Таким образом складывается понимание задачи, стоящей перед дизайнером.
Дизайнер должен прочитать бриф очень внимательно, пытаясь между строк вычленить скрытые боли клиента и что наиболее важно для его бизнеса. Если в процессе работы в дальнейшем происходят затыки, можно каждый раз его перечитывать.
Творчество художника — индивидуальное. Сложно найти шедевр живописи, созданный коллективом специалистов разного профиля. А вот дизайнерские проекты — это работа целой команды.
В полносервисном агентстве дизайнер не работает сам по себе, в проекте также задействован креативный отдел, бренд-стратег, проект-менеджер и арт-директор. Перед началом работы проходит брифинг с командой. Комплексный подход к задаче помогает сформировать направление работы, только после этого дизайнер садится за визуал. К этому времени обычно у команды уже есть примерное понимание, какой результат получится по итогу работы. Дальше дизайнер занимается просмотром вспомогательных картинок (референсов). Только после этого начинается работа с эскизами и рождение визуального образа.
На всех этапах проходят штурмы с рабочей группой. В общем, итоговая работа никогда не является мыслью дизайнера, пришедшей по наитию. Это кропотливая работа целой группы людей.
Работа дизайнера больше всего похожа на творчество свободного художника на этапе поиска образа.
Я часто делаю эскизы на бумаге, когда нужно придумать какой-то образ, составляю для себя карту ассоциаций и пробую её визуализировать. Часто идея приходит из форм: предметов, отдельных букв, геометрических объектов. На этапе эскизирования важно не упарываться с проработкой деталей и лучше проработать несколько вариантов развития концепции, чем вырисовывать одну, которую могут отмести при дальнейшей работе. Когда идея согласована на штурме, дизайнер садится за детальную проработку проекта.
Дизайнеру лучше думать „на бумаге“, фиксируя все свои мысли. Как правило, в первую очередь в голову лезут ассоциации первого порядка. Важно не гнать их от себя, а изобразить в первую очередь и сразу „отпустить“. На этом этапе главное — не опускать руки, не говорить „ничего не придумывается больше“.
Лучше накидывать как можно больше дурацких эскизных идей, чем застрять на проработке одной. Потратится куча времени, а потом может выясниться, что зря, потому что вы там силуэт чего-нибудь неприличного не разглядели. Лично я иногда прописываю все слова-ассоциации. Ещё в работе своими комментариями очень помогает арт-директор, который видит проект со стороны и целиком.
Если мы углубимся в процесс создания, например, живописных картин, мы увидим примерно такую же картину. Художник делает наброски, несколько вариантов эскизов. Часто будущее произведение делается сначала в миниатюре. Только после тщательной огранки замысла образы переносятся на холст, «на чистовик».
Конечно, художник, что бы он ни говорил, творит не для себя, а для людей. Но в своём творчестве он передаёт свой личный взгляд на вещи, своё уникальное восприятие прекрасного. Если его творение не встречает понимания, он всегда может сказать: «Я художник, я так вижу». И часто бывает, что эти творцы действительно видят красоту, которую никто из современников ещё не понимает.
Тот же Рембрандт со своим четырёхметровым полотном «Ночного дозора» плохо вписался в повальную голландскую моду на миниатюрные картинки с максимальной детализацией. Достоинства этого произведения раскрылись человечеству лишь спустя века, но теперь мы называем это произведение шедевром. «Сатурн, пожирающий своего сына» Гойи тоже не был понят современниками. Сюда же относится почти всё творчество Ван Гога, которому впервые удалось продать свою картину лишь за год до смерти. И таких примеров — масса.
Дизайнер не может позволить себе быть «сумасшедшим гением» и бежать впереди паровоза существующих трендов. Его видение должно совпадать с видением целевой аудитории, а понятия красоты должны соответствовать современной ему эпохе.
Хороший дизайнер должен всегда держать руку на пульсе самых современных наработок в дизайне и не только. Кругозор дизайнера — очень важная составляющая его успешности.
Как правило, по его работам очень хорошо видна степень его „насмотренности“. Наше агентство делает это, в том числе, с помощью дайджестов. Мы смотрим новые кейсы, обсуждаем их, выделяем новые тренды. Опытным дизайнерам это помогает не закиснуть в своем болотце, от раза к разу повторяя отработанные ходы.
Вкус, врождённый или воспитанный, безусловно, играет роль. Однако без знания трендов невозможно оценить ценность работы в конкретный момент времени. Самый очевидный пример — шрифт Helvetica. Когда-то это был прорыв, высшая степень модности в дизайне. В 90-х этот шрифт уже считался обычным. Сейчас Гельветика возвращается, но уже как часть ретро-стиля.
Красота в дизайне — это гармонично решенная задача. Гармония визуальных и внутренних составляющих бренда. Плюс, практичность итоговых носителей. В плакате выставки современного искусства будет красиво одно, а в вёрстке меню кафе совсем другое.
Дизайнер в своей работе ориентируется не на оценку другого дизайнера и даже не на клиента, а на конечного потребителя. Хороший дизайнер должен попытаться сделать этот мир визуально более логичным, упорядоченным, понятным и тем самым улучшить коммуникацию между людьми. В этом и есть красота.
Как и в любой сфере деятельности человека, есть люди и коллективы, которые „творят историю“, создают меняющие восприятие вещи, наделяют существующее новыми смыслами. Дизайн — не исключение. Были и есть дизайнеры и студии, которые своим стилем определяли и определяют эпохи.
Должно ли быть у дизайнера своё уникальное видение? Зависит от масштаба личности, амбиций и глобальных целей. От того, есть ли у дизайнера что-то, что он может привнести нового в окружающий мир. Нечто, что действительно его изменит, сделает его проще и понятнее. Этим мало кто обладает. Хотя это не означает, что остальные дизайнеры хуже или лучше. Это понятия различного уровня. Точно также как не каждый мебельный магазин способен стать Икеей. А главное — хочет ли он стать ей?
Это извечное противостояние функционального и высокого. Практичный дизайн, стабильно решающий ежедневные задачи, необходим не меньше, если не больше, чем „иконы стиля“. А в определенных сферах жизни и вовсе не место стилизациям. Хотя действительно выдающийся дизайн — это гармония внутреннего и внешнего, когда оформление соответствует содержанию и функции.
Безусловно далеко не каждый клиент может увидеть в новом облике своего привычного ежедневного дела, нечто большее: перспективу, новые возможности и даже ошибки. Поэтому дизайнеру важно уметь помочь клиенту посмотреть на себя по-новому, зарядиться энтузиазмом, доказать, что вы вместе можете создать нечто важное.
Кроме того, стилистика и мода — вещи в современном мире слишком быстротечные. Сейчас очень сложно представить возможность возникновения в отрасли личностей масштаба Любалина или Броуди, повлиявших на многих современных дизайнеров. В их арсенале — довольно ограниченный стилистический набор решений. Современный дизайн стал слишком многогранен для этого. Хотя это не означает, что не стоит пытаться.
Хороший художник находит для себя уникальный набор приёмов, которые ему нравятся, и которые лучше всего помогают перенести на холст его внутренний мир. Каждый выдающийся художник имеет свой неповторимый стиль. Именно поэтому мы всегда отличим Репина от Саврасова, Дали от Пикассо, Мане от Ренуара.
В дизайне такое бывает намного реже. Даже самые крутые брендинговые агентства делают такие проекты, по которым почти невозможно визуально установить авторство. Тем не менее, такое явление, как «свой стиль», в дизайне присутствует. Правда у него тут есть своя специфика и совершенно другие причины.
У многих дизайнеров или студий свой стиль однозначно есть, так как, видя их работы, сразу определяешь авторство. Сложно сказать, получается это у них сознательно или неосознанно. Скорее всего, всё бывает по-разному.
Конечно, на любую личность влияет её опыт. Логично, что один человек может непроизвольно делать проекты в той или иной степени похожими. Однако нужно всегда отдавать себе в этом отчёт и пытаться выйти из пресловутой зоны комфорта, так как такие ограничения могут навредить решению задачи.
Три приёма классической живописи, без которых не обойтись дизайнеру
Изучаете дизайн и привыкли орудовать исключительно мышью и клавиатурой? Попробуйте взять в руки карандаш.
Раньше графических дизайнеров учили в художественных вузах. Теперь освоить азы можно на краткосрочных курсах, сочетая учёбу с работой. Многие приходят в профессию, имея навыки работы в программах и понимание брендинга, но не умея рисовать.
Должен ли дизайнер уметь рисовать? Необязательно. Но знание художественных приемов расширит арсенал навыков и может стать источником вдохновения. Давайте рассмотрим принципы живописи и рисунка, которые пригодятся при создании логотипов и рекламных креативов.
Пишущий дизайнер. Пришла в профессию, получив второе образование, ранее занималась когнитивными исследованиями, SMM и копирайтингом. Пишет о визуальных трендах, делится наблюдениями из отрасли и техническими лайфхаками.
Тональный контраст
Цвета задают настроение и воздействуют на эмоции зрителя. Но одних только цветов недостаточно, чтобы точно передать форму предметов и их границы. Именно поэтому обучение рисунку начинается с работы простым карандашом. И даже для живописи и цветной графики многие делают эскизы в монохроме, чтобы сохранить тональный контраст (между тёмным и светлым) в полноцветном изображении.
Давайте посмотрим на тональный контраст в живописи Тициана : слева оригинал, а справа — отредактированный вариант, в котором осветлён фон.
Тициан, Вечеллио — итальянский живописец, крупнейший представитель венецианской школы эпохи Высокого и Позднего Возрождения.
Художники-импрессионисты намеренно избавляются от контраста светлого и тёмного. За счёт сближенных по тону цветовых пятен создаётся нечёткое, будто вибрирующее изображение.
Для дизайна фирменного стиля такой подход импрессионистов не подойдёт. Во-первых, логотип должен быть читаемым на чёрно-белых документах. Во-вторых, важно выделить знак так, чтобы даже при беглом взгляде он был узнаваемым. Магдалину на полотне Тициана видно сразу и издалека, а в пруд на картине Моне надо долго всматриваться, чтобы разглядеть кувшинки.
Моне, Оскар Клод — французский живописец, один из основателей импрессионизма.
Контраст по тону необходим для создания хорошего логотипа, и начинать работу полезно с чёрно-белых эскизов. Кстати, любой из известных фирменных знаков остаётся понятным и узнаваемым в монохроме.
Если уменьшить контраст тёмного и светлого, получится вот так:
Теоретически можно допустить отсутствие тонального контраста в дизайне рекламы как намеренный приём. Но получится, скорее всего, картинка, на которой будет ничего непонятно. Привычные рекламные объявления в этом смысле устроены примерно так же, как классическая живопись.
В некоторых рекламных фотографиях границы света и тени могут быть менее отчётливыми, но заметны, если просто прищуриться.
Неравномерная проработка деталей
Эгон Шиле — австрийский живописец и график, один из представителей австрийского экспрессионизма.
При взгляде на картину мы рассматриваем её части не одинаково внимательно. Всегда есть смысловые узлы, на которых останавливаемся, и нейтральные части изображения, где глаз отдыхает. В живописи художник с помощью акцентов управляет взглядом зрителя, рассказывая визуальную историю.
В дизайне тоже нужно уметь выделить главное. Поскольку образ в логотипе должен быть лаконичным и хорошо различимым в любом масштабе, все детали в картинке передать невозможно. Для изображения сложных вещей используют стилизацию — упрощение формы и заострение характерных узнаваемых черт объекта.
В этих знаках, как в живописи, есть детализированные места, на которых мы концентрируем внимание, и обобщённые — там, где мы не отвлекаемся. Перья на крыльях птичек, глаза и ноздри у крокодила Crocs, открытая пасть крокодила Lacoste, хвост и голова у синего слона и негативное пространство в логотипе с зелёным — те детали, за которые цепляется взгляд.
Часто при создании логотипа возникает соблазн добавлять всё больше и больше деталей — от этого процесса трудно оторваться. Но если все части картинки проработаны с одинаковой интенсивностью, зрителю не понять, на что смотреть, что в знаке главное и какой месседж несёт бренд.
В дизайне рекламы работают те же самые принципы. Вот пример баннера компании Ford:
Выделение фигуры из фона
Художник обычно изображает объекты не в вакууме, а в окружающей их среде. Поэтому на большинстве картин есть фигура и фон. Тициан, о котором мы уже говорили, выделил Магдалину с помощью тонального контраста, но есть и другие способы.
Тональный контраст важен для создания стройной композиции, но это не всегда единственный приём, выделяющий фигуру на фоне. Вот, например, картина Одилона Редона: фон написан крупными размашистыми мазками, а ваза с букетом изображена более аккуратно и имеет чёткие контуры.
Художники часто используют такой приём: фон написан размыто и грубо, а главный объект — чётко и аккуратно. Но иногда для изображения фигуры и фона могут использоваться разные техники. Вот картина Климта :
Климт, Густав — австрийский художник, один из самых ярких представителей венского модерна.